Dopo quasi trent’anni dalla partecipazione alla 46. Biennale d’Arte, punto di partenza della carriera internazionale dell’architetto, a Palazzo Franchetti a Venezia inaugura la prima retrospettiva italiana su Kengo Kuma (Yokohama, 1954), con più di venti maquette e due installazioni site specific interconnesse dal concetto di parola-suono.

L’ARCHITETTURA SECONDO KENGO KUMA IN MOSTRA A VENEZIA

“Un nuovo linguaggio, un nuovo modo di utilizzare i materiali”. Usa queste parole l’architetto Kengo Kuma per evidenziare il punto di forza dei suoi progetti, nati dallo studio degli ambienti a cui sono destinati nonché dalla relazione con le tradizioni e il sapere costruttivo degli artigiani locali. Divergendo dalla poetica nipponica degli anni Settanta, da sempre Kuma rifiuta l’uso del cemento e delle geometrie rigide per dedicarsi a una sperimentazione basata su materiali più leggeri come legno, carta e metallo: “Un modo nuovo per dare calore alle persone”, lo definisce. L’idea di Onomatopoeia nasce, come ricorda il curatore del catalogo Marco Imperadori, dall’omonimo saggio del 2017 in cui viene esaltata la sintesi della parola-suono come mezzo efficace e giocoso per tradurre gli elementi fondanti della sua pratica progettuale. L’allestimento della retrospettiva veneziana è essenziale e cede la scena alle maquette, imprescindibili e numerose nel processo di progettazione, accompagnate dalle foto dei progetti realizzati.

ONOMATOPEA: IL LINGUAGGIO PRIMITIVO DELL’ARCHITETTURA

Sono tredici le onomatopee che, con tanto di tabelle esplicative e ideogrammi, accompagnano il percorso tra i più recenti progetti dell’architetto e le due sculture-architetture appositamente realizzate per la rassegna: L’albero della barca, una maestosa onda in castagno, omaggio al legno che sostiene Venezia, e Laguna, installazione polimorfa che mette in relazione pubblico, terra e cielo nell’elegante giardino su Canal Grande. Qualche esempio di onomatopea? “Para-Para” – Pieno/Vuoto, ovvero la dimensione dove la percezione non è mai solida, ma un insieme di particelle che compongono una forma in alternanza di pieni e vuoti. Viene evocata nello Yusuhara Wooden Bridge Museum (2011), dove piccole sezioni di legno 180×300 si uniscono creando un ponte leggero, arioso, la cui luce strutturale proviene proprio dagli interstizi. E ancora, “Zara-Zara” – Grezzo/Percezione, riporta invece alla centralità delle caratteristiche fisiche dei materiali. Questa si riflette negli Archivi Antoni Clavè a Parigi (2017), che sono allestiti con una lamiera in alluminio stirata e trattata in un bagno di carta washi; una sensazione di imperfezione per ritrovare naturalezza, warmness, come direbbe l’architetto. E come questi tanti altri sono i suoni che danno forma alle intenzioni di Kengo Kuma.

ARCHITETTURA, UOMO E AMBIENTE NELLA POETICA DI KENGO KUMA

In concomitanza con la 18. Biennale di Architettura, Onomatopoeia Architecture è un’occasione rara per apprezzare la straordinaria sintesi della poetica dello studio Kengo Kuma & Associates, che ha all’attivo oltre 400 interventi, fra edifici e installazioni, su scala globale. Uno stimolo che porta a ripensare la relazione con l’architettura, esortando un rinnovato impegno ad abbandonare i canoni del secolo scorso in favore di una visione olistica, empatica ed ecologica, volta a entrare in sinergia con l’ambiente e abbattere le barriere tra natura e uomo.

“L’architettura, come qualsiasi altra disciplina, non può rompere la logica antropocentrica finché non si allontana da una pratica individualista ed egocentrica”. Sono parole inequivocabili quelle di Andreia Garcia, curatrice (con Ana Neiva e Diogo Aguiar) di Fertile Futures, il progetto a lungo termine con cui il Portogallo partecipa alla Biennale Architettura 2023. Al centro dell’indagine si collocano la crisi idrica, documentata da setti casi studi portoghesi, e il rilievo dell’acqua dolce anche dal punto di vista politico-economico. L’intervista.

IL PADIGLIONE PORTOGALLO ALLA BIENNALE ARCHITETTURA 2023

Chi sono gli architetti coinvolti e come sono stati selezionati?
Sono giovani studi diffusi su tutto il territorio, comprese le isole di Madeira e le Azzorre, ovvero Space Transcribers, Dulcineia Santos Studio, Guida Marques, Pedrêz, Corpo Atelier, Ilhéu Atelier, Ponto Atelier. Gli studi sono stati scelti in base ai contributi rilevanti dimostrati con le loro pratiche. Per questa rappresentanza ufficiale portoghese alla 18. Mostra Internazionale di Architettura, sono stati incaricati di sviluppare un esercizio di immaginazione operativa sui percorsi per potenziali riparatori in sette ambienti acquei distinti, dove appunto hanno sviluppato le loro pratiche.

Tra i sette casi studio in mostra a Venezia, ce ne sono alcuni che affrontano questioni o urgenze riferibili anche ad altri territori o ad altre latitudini?
La scarsità di acqua dolce è un problema globale con manifestazioni drammatiche nel territorio portoghese. La sua topografia, continentale e insulare, gioca un ruolo significativo nel determinare la distribuzione delle precipitazioni e la formazione dei sistemi fluviali. La combinazione di questi fattori si traduce in un clima e un regime idrologico molto variabili, in cui alcune aree registrano livelli di precipitazioni estremamente elevati, mentre altre affrontano lunghi periodi di siccità. Inoltre, i corsi d’acqua del Portogallo sono relativamente brevi, a flusso rapido e fortemente influenzati dalle fluttuazioni stagionali delle precipitazioni. La combinazione di clima, topografia e idrologia del Paese lo rende un’area stimolante per studiare gli impatti dei cambiamenti climatici sulle risorse idriche e sugli ecosistemi naturali, consentendo di testare risposte e strategie replicabili in altri contesti. Vogliamo che il progetto Fertile Futures contribuisca a una maggiore visibilità e discussione pubblica su ciò che è in gioco quando si tratta di questioni importanti come l’acqua. Questo è un problema comune a qualsiasi latitudine del pianeta.

Venezia ha sempre avuto un rapporto strettissimo con l’acqua e l’azione antropocentrica ha infatti reso possibile la sua stessa esistenza. A livello curatoriale, cosa significa esaminare il rapporto tra risorse idriche, architettura e uomo in un luogo del genere?
Rappresenta un contesto molto singolare per la presentazione di speculazioni sul futuro più giuste, più inclusive, più eque e più diversificate, ma anche più speranzose, che annunciano un futuro più verde, più fantasioso, generoso, abbondante, positivo, produttivo, responsabile, femminile e pluralista. È una mostra di architettura che non si limita a quel campo, ma presenta un’ampia gamma di discipline e saperi, da cui gli architetti sono rimasti distaccati. In questo modo mira a sensibilizzare sulla necessità di lavorare in modo collaborativo per sviluppare strategie che possano mediare la convivenza tra le specie e considerare l’impatto della nostra pratica sul pianeta. Miriamo a stimolare lo sviluppo di modi alternativi di fare architettura, contribuendo a cambiare il modo in cui vediamo il mondo e rivendicando la rilevanza della disciplina nel garantire una società più giusta e rispettosa dell’ambiente.

ARCHITETTURA CONTEMPORANEA, CRISI IDRICA ED EMERGENZA CLIMATICA

Il progetto curatoriale prevede anche una Thinking Assembly. Cos’è?
Vorremmo che la rappresentanza ufficiale del Portogallo alla Biennale di Venezia 2023 contribuisse a una maggiore consapevolezza, visibilità e discussione pubblica sui conflitti che riguardano la condivisione e la gestione di una risorsa essenziale come l’acqua. Il dialogo e la riflessione comune sono essenziali e li presentiamo sotto forma di una “assemblea di pensiero”. Il secondo di questi appuntamenti si svolgerà il 20 maggio a Venezia, presso il Padiglione del Portogallo a Palazzo Franchetti, in formato Breakfast Talk, con la presenza del team curatoriale e artistico che coinvolgerà la comunità internazionale nella discussione del tema centrale proposto. I restanti tre incontri si svolgeranno in territorio portoghese. Allo stesso tempo, per inscrivere queste preoccupazioni nella pratica delle generazioni future, si svolgerà a Fundão un seminario estivo internazionale, dedicato agli studenti di architettura provenienti da un ampio spettro geografico internazionale. Speriamo di favorire un avvenire promettente per il progetto Fertile Futures, oltre il tempo della Biennale.

Cos’altro può fare l’architettura per rompere la logica dell’antropocentrismo, che sta causando tanti problemi all’equilibrio naturale?
Questa è l’era della crescente emergenza climatica, intensificata dalle ingiustizie socio-ambientali e dalla continua lotta contro il colonialismo in tutta la sfera geopolitica. Dobbiamo capire come ricostruire il cittadino e la cittadinanza in tempi di globalizzazione e cambiamento. Questo esercizio di guardare alle “architetture della scarsità d’acqua” come serbatoi del futuro arricchisce un discorso allargato, utile per la risoluzione dei problemi emergenti. Al centro dell’interesse di questo tema c’è un’analisi critica della nozione di progresso, spesso equiparata allo sfruttamento illimitato dei corpi e delle risorse del pianeta. Per questo motivo, il team artistico di architetti aveva a sua disposizione un insieme di consulenti e specialisti provenienti da vari contesti ideologici e competenze per presentare criticamente le soluzioni. L’architettura, come qualsiasi altra disciplina, non può rompere la logica antropocentrica finché non si allontana da una pratica individualista ed egocentrica. Il mondo deve sbarazzarsi di discorsi intolleranti e dogmatici e creare piattaforme di libero dibattito dove l’architettura possa essere concepita in altri modi, nel rispetto del lavoro che si assume dei rischi per trovare soluzioni per recuperare ecosistemi, territori e ambiente. Il futuro è un luogo di idee con il cuore e senza paura.

Poiché l’architettura interviene sempre più sul paesaggio, e poiché le crisi climatiche non hanno confini, potrebbe essere opportuno sviluppare strategie di progettazione architettonica a livello di macroarea, piuttosto che a livello di singolo Paese?
Gli architetti sono gli attori più importanti sul territorio. L’unico modo in cui possiamo trovare strategie è usare le nostre capacità in modo collaborativo per modificare l’enorme impatto del danno che stiamo causando. Il mondo materiale dell’architettura non è più soltanto un insieme limitato di programmi, funzioni e tipologie. L’architettura non può più essere una linea autocelebrativa chiusa nella sua individualità, che si sottrae alla responsabilità di monitorare collettivamente e in modo interdisciplinare il cambiamento dei tempi. L’architettura non può sottrarsi al suo obbligo di adattarsi a un mondo in continua evoluzione. Credo che la strategia debba essere congiunta, senza confini, proprio come l’elemento acqua: bellissimo comune narratore delle forme di esistenza del pianeta.

Il vostro governo ha aperto un dialogo fattivo con il mondo dell’architettura? C’è un impegno ad attuare almeno alcune delle vostre proposte?
Non ancora. Il modo in cui proponiamo questa mostra come atteggiamento critico, propositivo, con uno spazio per dialogare con tutti, ci porta fuori dal novero dei soggetti passivi e, tornando al primo concetto di quest’intervista, propone almeno una maggiore visibilità e discussione pubblica su ciò che è a rischio quando si tratta di temi così importanti come l’acqua. Auspichiamo che l’eco del progetto crei almeno lo spazio per un dialogo più ampio e approfondito.

“E comunque, sarebbe anche bello trovare parole nuove ma uno dei problemi giganti che ci sono in circolazione è evidentemente quello del rapporto tra borghesia e cultura, che è imballatissimo e non riesce a fare un bah su niente di quello che gira. Più del 90% dei mondi della cultura in Italia hanno passato la gioventù in posti dove i problemi erano come coordinare le tende con la moquette, come fare i turni nelle seconde case senza sovrapporsi tra parenti, e così via. Poi cosa ti vuoi stupire se il mondo brucia e ci ritroviamo con gente coltissima, studiatissima, intelligentissima che passa tutto il tempo a fare il nazigrammar, a fare pornografia della fragilità e a ragionare sul font delle copertine dei libri. La cultura è uno sport da combattimento, ma per farti venire voglia di fare a mazzate un po’ di milieu ci vuole” (Bertram Niessen su Facebook, 24 ottobre 2022).

Questa nuova serie avrebbe dovuto intitolarsi qualcosa come Potere & potenza dell’artista, perché così avevamo deciso con l’artista Roxy in the Box a fine settembre in piazzetta Mater Dei a Napoli: una serie che, tra le altre cose, affronta la preoccupante uniformità stilistica delle opere realizzate dagli autori delle ultime generazioni, uniformità che però dipende in gran parte dalla manifestazione e rappresentazione per così dire “ufficiale” dell’arte contemporanea, a fronte di una ricchezza e di una diversità di ‘forme di vita’ che esiste nella realtà, ma ancora in maniera piuttosto sotterranea. Poi – mentre stavo concludendo Dove scorre il fiume – Bertram ha pubblicato questo post su Facebook, e quindi Il milieu dell’artista mi sembra molto più azzeccato. Il breve testo fotografa una situazione reale, e a suo modo tragicomica, del mondo artistico e culturale italiano (ma non solo), che è molto probabilmente – anzi: di sicuro – la ragione e la precondizione di quella uniformità.

ARTE E ARTISTI FIGHETTI

Il punto centrale, in fondo, è sempre quello: l’abbandono graduale, nell’arco degli ultimi trenta-quarant’anni, della working class a favore della borghesia, delle classi privilegiate. Questo abbandono è avvenuto non solo a livello politico-economico ma anche (e forse soprattutto) a livello culturale. È infatti l’intero immaginario che è stato riorientato verso valori e istanze che possiamo definire appartenenti al mondo “agiato” – o, meglio ancora, “fighetto”. Come ho scritto nella scorsa puntata, il “fighetto” è in buona sostanza colui o colei che (appartenendo alla classe agiata, privilegiata, dominante), nonostante le apparenze progressiste sue, del suo aspetto esteriore, delle sue dichiarazioni e dei suoi lavori – nel caso sia un/un’artista ‒, non mette mai davvero minimamente in discussione lo status quo, cioè il sistema di valori condivisi appunto dalla propria classe di appartenenza e di riferimento. Il fighetto è dunque intimamente conservatore e reazionario.
La storia dell’arte e degli artisti fighetti è lunga e a suo modo istruttiva, e prima o poi andrà tracciata anche solo sommariamente. Per il momento, credo sia interessante notare come, a fronte di una condizione abbastanza sconsolante come quella attuale, stiamo vedendo proprio negli ultimi anni e mesi in molti territori culturali autori di generazioni passate, emersi cioè tra Anni Settanta e Anni Novanta, che (forti evidentemente di un milieu e di un background di un certo tipo…) sono capaci di affrontare le questioni più scottanti in maniera non retorica né archivistica o archeologica.

IL CASO BRIAN ENO

Brian Eno nel suo ultimo albumappenapubblicato, FOREVERANDEVERNOMORE, tratta la crisi ambientale e climatica e la prospettiva dell’estinzione di massa, di un futuro umano che quindi si sta restringendo in maniera preoccupante, e lo fa forse per la prima volta in modo emotivo.
Gli artisti come “mercanti di emozioni”, e l’arte stessa come il luogo in cui le nostre emozioni, una volta articolate all’interno dell’opera e grazie all’opera, iniziano a presentarsi come “pensieri perseguibili”: vale a dire, agibili, in grado di orientare l’azione.

Brian Eno – che oggi è uno splendido settantaquattrenne ‒ è sempre stato (anche) un intellettuale molto sofisticato e un maestro nel trasmettere concetti molto complessi con definizioni impeccabili. In questo caso, ci sta dicendo che esiste un modo (forse, più di uno) perché le opere tornino finalmente a cambiare la realtà, cioè la testa delle persone. E che invece un’arte destinata a rimanere chiusa nel suo recinto, per quanto lussuoso ed elegante, è assolutamente inutile – e anche inevitabilmente scadente, fiacca, pomposa.
Infatti, non a caso, FOREVERANDEVERNOMORE è un capolavoro.

• il milieu dell’artista #1 L’arte deve ricominciare a cambiare la realtà
• il milieu dell’artista #2 Mettere in discussione le gerarchie: cosa significa per l’arte
• il milieu dell’artista #3 In quale mondo vivono gli artisti di oggi?
• il milieu dell’artista #4 Gli artisti e la questione del dolore
• il milieu dell’artista #5 Arte fighetta: che cos’è e perché non funziona
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